Filomena

Filomena
Claudia Queiroz
th Barrios Rocha Editores, 2015
Novela, 108 pp.

por Rubén Sacchi

Cuando al inicio del libro la autora dice que “no es una novela corta, ni un cuento largo”, más que justificar el género narrativo alude a lo profundo de su obra: “Filomena es la primera palabra de un juego de palabras desparramadas que se vaciaron y se llenaron a lo largo de mi pueblo largo y me desafiaron”. Es que Filomena es una metáfora de la otredad, un grito contra el abandono y la deshumanización de la sociedad.
El personaje que elije Queroz para transcurrir su novela es una mujer indigente. Como todo desheredado social no tiene un origen cierto, por ende, no podemos intuirle futuro. No obstante, y recordándonos el origen de la vida, nos dice: “el agua y el comienzo suelen explicarse a sí mismos”.
Despacio, mediante idas y vueltas gramaticales, se va desenredando una historia, todos la tenemos, “es la conciencia histórica la que nos hace dueños” y, al privar a Filomena de la suya, se le quita solidez, se la resume a un instante que debe pasar rápidamente para no desentonar con la monotonía del paisaje. Pero la escritora insiste, bucea en la realidad y en la leyenda para devolverle su pertenencia, su peso, porque “la historia de los pájaros (...) no son los pájaros, sino su vuelo”.
Con una prosa, por demás poética, la escritora nos acerca a un lugar universal, sin apartarse de su aldea, donde se evidencia “la permanente imposibilidad de elevarse”, una realidad que no es destino, sino una heredad que debe transgredirse para alcanzar el verdadero sentido de la vida, si es que lo tiene, o inventárselo.

La alegría siempre flota

La alegría siempre flota
Fatumi
Ediciones Caseritas, 2017
Cuento, 18 pp.

por Rubén Sacchi

Fatumi es el nombre que la niña de nueve años Zoe Victoria Hermann Mignaqui eligió para declamar su autoría. No se trata de un pseudónimo ni un apodo. Sucede que esa palabra designa su segundo nombre en árabe. La pista quizás se encuentre en la dedicatoria, en la que incluye a su abuela chiita.
La producción se define por el nombre de la editorial: totalmente artesanal y de buen gusto. La tapa y el interior incluyen textos e ilustraciones de la jovencísima autora en proporciones equilibradas.
El contenido reúne siete cuentos que muestran un espíritu sensible. Desde la fantasía hasta la más dura realidad recorren estas páginas, pero el lector siempre encontrará un mensaje esperanzador y un punto de vista positivo.
Es evidente que, tras el libro, hay un equipo de afectos que estimula y apoya las inquietudes de la talentosa pequeña. En horabuena, cuando el mensaje que nuestros vástagos reciben a diario es el de la lucha por el éxito individual y el lucro como objetivo final de la existencia.
Desconozco si este es su primer trabajo o si existen precedentes, aunque su edad permite intuir que no posee una frondosa obra; sin embargo creo que, de trabajar sus evidentes capacidades, Fatumi puede encontrar un lugar en el futuro de las letras. Si así no lo fuera, espero que la vida le permita sostener esa frescura y calidez que encierran sus historias en cualquier orden de su existencia.

Derecho de las mujeres a una vida sin violencia

Derecho de las mujeres a una vida sin violencia
Norma Matteucci
Ediciones Novedades Educativas, 2017
Ensayo, 128 pp.

por Rubén Sacchi

La violencia parece ser una característica humana, algo intrínseco a la especie, como una maldición que el hombre debe cargar por el resto de sus días.
El lugar común que nos dice “la violencia engendra a la violencia” tiene mucho de realidad, pero debe diferenciarse la que se ejerce como acción o la que vuelve en la forma de reacción. La historia está plagada de ejemplos donde la violencia no sólo está justificada sino que es plausible.
Los sistemas en los que el hombre organiza su vida, las instituciones que sostiene y sus modos de relacionarse son diversos y, de acuerdo a la equidad que propongan, serán más o menos violentos. Pero, en ese universo, subyacen contradicciones particulares que hacen al todo.
En una sociedad culturalmente patriarcal, la violencia que sufren las mujeres merece especial atención y a ello apunta el trabajo de Matteucci, que parte de la conflictividad cotidiana para desembarcar en la cuestión de género y en los diferentes tipos de violencia que sufren las mujeres a manos del hombre, “esa inferiorización sistemática (...) que les expropia a las mujeres los derechos materiales y simbólicos”, porque “cualquier modificación de la feminidad implica la modificación de la masculinidad”, ya que, al decir de Simon de Beauvoir, “nadie es más arrogante, violento, agresivo y desdeñoso contra la mujer que un hombre inseguro de su propia virilidad”.
Para modificar esta realidad, la autora plantea el trabajo sobre la educación, principal generador de subjetividades, insistiendo en desarrollar a los jóvenes como sujetos activos para la comprensión y transformación de los paradigmas sociales machistas y estereotipados.
En el convencimiento que “la lectura forma y transforma”, propone guías didácticas para la lectura crítica, mediante el abordaje de textos y el análisis de sus discursos.
Carlos Marx decía que “la mujer es el último bastión de la propiedad privada”. No será sencillo abolir esta última, pero va siendo hora de eliminar otras verticalidades.

Cartas a mi hijo Federico

Cartas a mi hijo Federico
de María Marta Guitart
Teatro El Crisol
Scalabrini Ortiz 657, CABA
Domingos 18 hs.
Duración: 60 min.

por Eva Candendo

Una madre, en soledad, entra al cuarto de su hijo para calmar la angustia y el desasosiego de no saber sobre su suerte. Allí encuentra una caja donde él guarda las cartas que ella le enviara durante sus viajes. Mientras lee sus propias palabras, en las que se funden los consejos y el aliento para que siga en la senda que le apasiona y lo hace feliz, se presiente la imagen del hijo, dulce y firme, como si ella lo trajera a su lado, con la fuerza de su amor y sus palabras. Vicenta sabe que la gran sensibilidad que tiene Federico no siempre es bienvenida, que los lobos acechan en esos tiempos peligrosos. Sola, frente al escritorio que nadie ocupa, repite sus versos, “…madre, bórdame en tu almohada…”, canta aquellos otros tan maravillosos que pintan su sentir y baila para ahuyentar el dolor y la muerte que, inexorable, se cierne sobre él.


Sólo una gran pasión y un gran trabajo actoral pueden llevar adelante esta obra, tan difícil por la enorme elaboración interior que requiere. María Marta Guitart es, además de una talentosa actriz y poeta, una estudiosa de Federico García Lorca, lo que la llevó a hacer durante diez años en forma casi ininterrumpida, Federico tuvo un sueño, basada en la poesía del poeta granadino y en un cuento de Antonio Tabucchi. De la lectura profunda de las cartas de Vicenta Lorca surgió este espectáculo en el que, con su exquisita sensibilidad poética y su ductilidad, logró hacerse carne en esta madre que muestra el costado más íntimo y humano del hijo talentoso y amado. Sentada en la mecedora, leyendo, o en los momentos más dramáticos, cuando baila abrazada al saco blanco, vacío, despliega un abanico de sentimientos que sobrevuelan el recuerdo llevándola de la alegría de saberlo exitoso a la angustia por el destino incierto. La emoción no da tregua, se adueña de cada uno de los espectadores por esa mujer vestida de negro que echa sus palabras al aire y que son pura poesía. La música del cello, ejecutado por Natalia Surachi, acentúa la belleza de las  imágenes que se suceden en el recorrido de la lectura. La escenografía y las luces son sencillas y contundentes. Un espectáculo para no dejar de ver.

Ficha Técnica:

Dramaturgia, actuación y dirección: María Marta Guitart
Asistencia de dirección: Melina Forte
Música en escena: Natalia Surachi
Composición de música original: Maylén Ubiedo Myskow
Diseño de movimiento: Melina Forte
Fotografía: Silvina Di Caudo
Diseño Gráfico: Mariana Cullen
Diseño Lumínico: Diego Todorovich
Vestuario y escenografía: Teatro en camino
Producción Ejecutiva y Prensa: Pato Rébora

La Gallina



La Gallina
de Cía. La Varieteré
Espacio Cultural Dínamo, C.A.B.A.
Duración: 60 min.

por Eva Candendo

 
Cuando el espectador se aparta del circuito comercial teatral y logra bucear en otros ámbitos que solo se conocen por el boca a boca, puede encontrarse con verdaderas perlas del escenario. Tal es el caso de La gallina, a cargo del grupo La varieteré, que se presenta los domingos en el Espacio Cultural Dínamo. Este espectáculo trae a la memoria el quehacer teatral del Circo Criollo de los hermanos Podestá, aquellos que, en esa mistura con el circo, hacían reír y llorar a la platea. Los Podestá se adelantaron a lo que luego serviría de metodología para el entrenamiento actoral utilizando el lenguaje del cuerpo, que hoy se usa evitando el exceso de retórica y redunda en calidad y dinamismo. En La gallina, los jóvenes integrantes de la troupe demuestran ductilidad corporal en un recorrido que va desde el clown, el teatro físico, el mimo y la vocalización.

Pero no es sólo un espectáculo para los ojos, puesto que las escenas que se suceden, elaboradas por los propios artistas en una creación colectiva, siempre llevan una lectura especial y humorística sobre la realidad, desde el recuerdo de tiempos pasados con menos tecnología y más imaginación, los estereotipos femeninos impuestos socialmente, los profesionales de la salud desinteresados por los pacientes, la falta de valores y la alienación cotidiana, los desencuentros de pareja y el amor en distintas épocas, el adoctrinamiento evangelista y hasta los émulos de Volver al futuro, Doc y Martín, que traen la esperanza de mejorar el mundo. Todo esto en un recorrido en clave de humor, por momentos desopilante, como ellos dicen “abordado desde una perspectiva crítica y constructiva de nuestra realidad, divirtiendo e invitando a la reflexión”.

Los actores exhiben su capacidad de pasar en pocos minutos de un personaje a otro en un trabajo excelente, sin altibajos y sin perder por ello calidad, ocupándose también del cambio de escenografía.
El grupo no cuenta con agente de prensa por obvias razones económicas y, por ende, no tiene publicidad. Sin embargo, La gallina no cobra entrada, se hace a la gorra porque, como explican al finalizar la función, opinan que todas las personas deben tener acceso a la cultura y al entretenimiento. Toda una declaración de principios.


Ficha Técnica:

Dramaturgia: Cía. La Varieteré
Intérpretes: Guillermo Balbuena, Ana Clara Barboza, Belén Biniez, Elsa Davolio, Julio Di Ciocco, Ernesto Lospinnato, Natalia Tamara Rosa, Rita Seguín.
Asistencia Técnica: Florencia Pellejero
Dirección: Cía. La Varieteré

La noche a cualquier hora


La noche a cualquier hora
de Patricia Díaz Bialet
Centro Cultural de la Cooperación
Corrientes 1543, CABA
Domingos, 19:00 hs. Duración: 55´

por Eva De Bartolo

Dos cuadros de la pintora polaca Tamara de Lempicka, de cuerpos desnudos y entrelazados, saltan
a la vista a sendos costados del cortinado rojo adelantando, con su voluptuosidad, lo que vendrá
luego. La tenue luz del velador y la música envolvente y mágica del saxo transportan a otro espacio, a algún viejo club de jazz. En el escenario aparecen dos mujeres y un hombre. Ellas, seductoras,
recuerdan a las divas de Hollywood de los años 50; él, aplomado hombre de mundo que está dispuesto a caer una y otra vez en los brazos del amor de alguna de las dos o de las dos a la vez, si eso fuera posible. Entre los tres comienzan a enhebrar poemas llenos de erotismo en una celebración entre el lirismo y la carne. Así, se suceden las palabras con su carga íntima y sensual. Los poemas que se enlazan en sus voces hablan de seres que poseen la avidez del cuerpo del otro, del amante, donde el deseo y la pasión los unen y los separan permanentemente, con la tensión propia del sexo y del amor. Recuerdan viejas e intensas relaciones, reviviéndolas con la misma sensualidad de aquel momento. Surgen mujeres dispuestas a gozar libres en toda su plenitud, a tomar y dejar a gusto, a disfrutar plenamente del erotismo que las atraviesa e invade.

La autora, Patricia Díaz Bialet, dice en Agualava, uno de los libros que da origen a la obra teatral, "No
soy mujer de estar entre ollas"
. Y así lo demuestran las dos protagonistas, que hacen del goce una necesidad de vida, dispuestas a devorar al hombre que desean. Y dejarlo después sin culpas, sin remordimientos porque la vida sigue y el amor también. Como dice Jorge Dubatti, “los poemas de Díaz Bialet llaman a ser dichos en voz alta, porque la poesía es otra forma de teatro, poderosa, honda”.

Excelentes las actuaciones de Florencia Carreras, Gustavo Pardi y Ana María Cores, quien también se
luce cantando; y el acompañamiento en vivo de la saxofonista María de Vittorio, que interpreta la música original de Gabriel Senanes. La escenografía y las luces muy acertadas, consiguen dar un clima íntimo y sugestivo. Un espectáculo para paladear con todos los sentidos.


Elenco:

Ana María Cores, Florencia Carreras, Gustavo Pardi

Equipo:

Autor: Patricia Díaz Bialet
Adaptación: Mariano Dossena, Gustavo Pardi
Saxo en vivo: María De Vittorio
Escenografía y vestuario: Nicolás Nanni
Realización de vestuario: Claudia Olivera
Música original y diseño sonoro: Gabriel Senanes
Entrenamiento vocal: Nancy Ocampo
Técnica de grabación: More Fernández Núñez-Estudio La Posada
Diseño de iluminación: Claudio Del Bianco
Iluminador asociado: Martín Fernández Paponi
Prensa: Varas & Otero Comunicaciones
Diseño gráfico: EN DISEÑO
Fotografía: Fuentes2Fernández
Asistencia general: Natanael Fernández
Asistencia de Producción: Gabriela Genni, Emilia Nudelman
Producción artística: Pablo Silva
Dirección: Mariano Dossena

Patricia Díaz Bialet:
Publicó los libros de poesía: Los Despojos del Diluvio , 1er Premio FNA 1989 (Vinciguerra, Bs As, 1990); Testigo de la Bruma , Mención Honorífica en la Bienal de Poesía Arg. de la Sec. de la Función Pública de la Nación y FNA 1991 (Vinciguerra, Bs As, 1991); La Penumbra de la Luna Llena , 2do Premio en el Concurso Fund. Inca Seguros 1992 (Vinciguerra, Bs As, 1993);  La Dueña de la Ebriedad de la Rosa , 1er Premio FNA 1993 (Vinciguerra, Bs As, 1994); Los Sonidos Secretos de la Lluvia , Mención Honorífica en el 1er Certamen Nac. de Poesía Papiros del Siglo XX (Plus Ultra, Bs As, 1994); El Hombre del Sombrero Azul ( Dunken, 1ra Ed., Bs As, 1996), (Dunken, 2da Ed., Bs As, 1998); El Amor es una Pluma de Mercurio. Poemas elegidos (Las Otras Palabras, Esquel, 2007); Agualava (Atuel, Bs As, 2009); La Que Va (Atuel, Bs As, 2015). Tradujo del inglés al castellano el poemario Resurrection Papers , de la escritora estadounidense Heather Thomas, bajo el título Papeles de Resurrección , (Vinciguerra, Bs As, 2004). Poemas suyos fueron incluidos en la película "El Lado Oscuro del Corazón II" , de Eliseo Subiela (2001). Sus poemas también formaron parte del espectáculo poético-teatral "Con un tigre en la boca. Manual de los amantes" , dirigido por Hugo Urquijo (CCC, 2014/2015), Premio ACE 2014/2015 "Mejor Espectáculo de Teatro y Poesía" y Nominación ACE 2014/2015 "Mejor Música Original". Tiene a su cargo desde el año 2014 la columna radial semanal "Novedades y recomendaciones literarias" en el programa "Que vuelvan las ideas", AM 750.  Desde el año 2012 es miembro del jurado en los Premios "Teatro del Mundo ", UBA. Desde el año 2015 forma parte del "Área de Investigaciones en Ciencias del Arte (AICA)" del CCC como Investigadora Asociada dedicada al tema de estudio "Relaciones entre teatro y poesía: El espectáculo teatral basado en el texto poético".  Desde 2016 es Investigadora en el Instituto de Artes del Espectáculo de la Fac. de Filosofía y Letras, UBA.

Ana María Cores:
Actriz y cantante de notable trayectoria en teatro, televisión y cine. Es una de las grandes figuras del musical argentino y del teatro de texto. Su versatilidad le ha permitido ofrecer su arte tanto para el público adulto como para los niños; en la comedia o en el drama.
Ha recorrido con sus espectáculos toda la Argentina, España, Colombia, México, Chile, Uruguay, Brasil, Paraguay, y Armenia, por citar solo algunos destinos destacados. A lo largo de su extensa carrera ha sido merecedora de los premios Trinidad Guevara, María Guerrero, Podestá, Konex, Hugo y Estrella de Mar , entre otros.
En teatro, encabezó decenas de espectáculos, tales como: " Como arena entre las manos", "La Novia de Gardel", "En Concierto", "Pijamas", "Juana Azurduy", "Canción de cuna para un marido en coma", "El conventillo de la Paloma", "El mágico mundo de las sombras", "Sor-presas", "Aquí no podemos hacerlo", "Universexus", "Arráncame la vida", "El imaginario", "Locos ReCuerdos", "La Vuelta a Manzana", y "Vivitos y coleando", entre muchos otros. En televisión, se destacó en éxitos como "Por amor a vos", "Mi Lady", "Corazón de tiza", "Marco el candidato", "Hombres de Ley", y "Compromiso".

Gustavo Pardi:
TEATRO: "Dignidad" (Maipo); "Un hombre equivocado" (Cervantes); "Sacco y Vanzetti" (Cervantes); "Los áspides de Cleopatra" (San Martín y temporada en Madrid); "Poeta en Nueva York" (Cooperación, Madrid y Montevideo); "El organito" (Teatro de la Ribera). CINE: "Rebobinado" ; "Tríada" ; "Exomologesis" ; "Testigo íntimo" ; "El cielo del centauro" ; "Yo sé lo que envenena" ; "Eso que llaman amor" ; "El karma de Carmen" ; "Contra Paraguay" . TELEVISIÓN: "El marginal" (TV Pública); "El Otro" (TV Pública); "Germán últimas viñetas" (TV Pública); "Sos mi hombre" (El Trece); "Farsantes" (El Trece). PREMIOS: Mejor actor largometraje (Festival Chascomús), Cine con Riesgo: Mejor actor; ACE (nominado): Mejor actor de reparto; Florencio Sánchez: Mejor unipersonal; ACE (nominado): Actuación en unipersonal; ACE (nominado) Revelación masculina; Estrella de Mar: Revelación masculina; Comedia de Bs. As.: Mejor actor.

Florencia Carreras:
Actriz. Estudió Licenciatura en Actuación en el IUNA, con Cristian Drut, Analía Couceyro y Eugenio Soto.  Dentro de la obras teatrales en las que trabajó se destaca " No inventes lo que no quieras que exista " unipersonal en donde se encargó de la selección y adaptación de los textos y por el cual ganó dos premios como actriz revelación Luisa Vehil 2015 y Planeando SOBRE BUE 2014.  En 2015 trabajó en la re-apertura de Teatro Caminito bajo la dirección de Lautaro Vilo en "Los veraneantes" y en 2016 estrenó en el CCKONEX bajo la dirección de Juan Manuel Correa  "Antígona" de Sófocles, adaptación Carnelli/ Ure. Desde sus inicios trabajó en publicidad y lleva realizadas diversas participaciones en cine y TV.

Mariano Dossena:
En su rol de director se destacan los siguientes trabajos:  "Absorta y Desnuda", propuesta sobre el universo poético de Leonor García Hernando, protagonizada por Ingrid Pelicori, Leonor Manso, Muriel Santa Ana y Walter Quiroz, entre otros (Sala Tuñón, CCC, 2016) -espectáculo ganador del Premio Luisa Vehil "Mejor Música Original" y nominado en el mismo rubro para los María Guerrero - ;  "Las Tres Viejas" de Alejandro Jodorowsky, con Moria Casán, Alejandro Paker y Marko Vega (Teatro El Picadero); "La que besó y la que no besó " de Maruja Bustamante (CCC); "Sacco y Vanzetti " de Mauricio Kartun (Teatro Nacional Cervantes) -espectáculo con nueve nominaciones a los Premios Estrella de Mar y dos nominaciones a los Premios ACE -; "Poeta en Nueva York" de Federico García Lorca (CCC)  -espectáculo con diversas nominaciones a los Premios ACE , Florencio Sánchez y Teatro del Mundo -; "El Otro Judas" de Abelardo Castillo (CCC) -espectáculo con tres nominaciones para los Premios María Guerrero -; "Petrona, una delicia teatral "; "Espectros "(CCC) -espectáculo con una nominación "Mejor Director 2011" para los Premios María Guerrero y diversas nominaciones a los Premios ACE -; "Los invertidos" de José González Castillo (Teatro El Ex)  -espectáculo con cuatro nominaciones para los Premios ACE 2011 y del cual está preparando una Nueva Versión 2017 . Además se desempeña como docente especializado en teatro, en el Colegio Nacional de Buenos Aires (UBA) y en la Escuela Metropolitana de Arte Dramático.

Dios lo bendiga, señor Rosewater

Dios lo bendiga, señor Rosewater
Kurt Vonnegut
La Bestia Equilátera, 2017
Novela, 200 pp.

por Rubén Sacchi

La novela habla de una fortuna acumulada en la avaricia y en la especulación, en un escenario tan desgraciado como lo es una guerra civil. De una fortuna y de su feliz y particular heredero.
Como toda obra de Vonnegut, el humor y la gracia son los vehículos para exponer temas más profundos, realidades y miserias que hacen presa de los hombres, entragados a las prácticas más viles. Así, la corrupción estatal durante la Guerra de Secesión, enfrentada a la falsa imagen del “sueño americano”, del “país de las oportunidades”, deja expuestos los slogans en toda su crudeza.
Ese capitalismo incipiente ya evidencia las fórmulas que, no por vetustas, serán menos efectivas en el futuro, o sea hoy, como la respuesta patronal a “los ciudadanos honrados, industriosos y pacíficos (que) eran clasificados como chupasangre si pedían que se les pagara un salario para vivir”, mientras para sí mantienen el lema “agarra a cuatro manos o no conseguirás nada”.
Hay pasajes verdaderamente memorables, repletos de frases que pueden componer un compendio de clase, como la que un abogado refiere a un heredero: “...cómo una universidad se atreve a enseñar compasión sin enseñar historia” o la conversación entre dos adinerados: “La gente recibe lo que merece, no es verdad”; “Es la primera ley de la vida”, para rematar en la criada que  debía prestar juramento, diciendo: “juro solemnemente que respetaré la sagrada propiedad privada de los otros y que me conformaré con la posición que Dios Todopoderoso me asigne en la vida”. (...) ¿Qué más puedo hacer por mi patrón, mi república y mi Dios?”, coincidente con la idea burguesa de que “todo lo que hay de bonito en el mundo es un regalo que ellos o sus antepasados les dan a los pobres”.
Leyendo la historia, es inevitable preguntarse ¿por qué las clases altas se aterran y arremeten contra la solidaridad de quien se salta de vereda social? La respuesta la da el mismo Vonnegut, en boca de su personaje: “Nadie puede trabajar por lo pobres sin pensar en Marx de vez en cuando”.

Mala junta

Mala junta
Pablo Lerman
De los Cuatro Vientos Editorial, 2017
Novela, 254 pp.

por Rubén Sacchi

En El 18 brumario de Luis Bonaparte, Carlos Marx, observando una sentencia de Hegel, afirmó que “La historia se repite dos veces, primero como tragedia y después como farsa”. Hago esta observación porque Mala junta parecería estar hablando de estos días, aunque su autor la plasme a inicios del milenio y ligeramente posterior al levantamiento popular y crisis política que dejara un saldo de varios muertos y una marcada inestabilidad institucional.
Puede decirse que es una historia de perdedores, en un país en donde los ganadores conforman una casta mínima. Hay cuatro protagonistas delineados con precisión y sutileza: un ex montonero, quebrado ideológicamente; un aprendiz de brujo; un ex gerente de banco despedido y su insatisfecha esposa. Alrededor, otra buena cantidad de personajes que rondaron estas vidas y las marcaron.
El espacio que los une, su trabajo dentro de la industria farmacéutica, es la excusa para hablar de otras cuestiones del momento, como la brutal represión: “un bastonazo lo hundió en un mar de borceguíes policiales”; el desasosiego: “en este país, donde todo se pudre antes de brotar” o la agonía de un ser querido: “¿Cómo se mira a quien se muere? ¿con qué ojos se lo ve?”.
La historia, típica del cotidiano, se va tejiendo hábilmente para terminar atrapando al lector con una variedad de relatos secundarios y un clima subyacente que hace muy difícil abandonar la lectura.

Marx discípulo de Engels

Marx discípulo de Engels
Martín Mazora
UNSAM Edita, 2017
Ensayo, 168 pp.

por Rubén Sacchi

Hace años, cuando la aparición de la edición de Editorial Cartago del Anti-Dühring, un amigo me lo recomendó enfáticamente basado en la aseveración: “Engels es más marxista que Marx”. No me siento capacitado para aceptar o refutar tal sentencia, pero sí para concluir en la gran capacidad intelectual y la claridad para entender la profundidad de los conflictos sociales, que poseía el estudioso alemán.
Bajo la consigna “no hay testimonio ni documento, por solvente que pueda parecer, que no amerite una escrupulosa evaluación crítica”, el autor aborda el desarrollo de la teoría marxista, como subsidiada por su contemporáneo y amigo Federico Engels. Apela para ello a un análisis minucioso de declaraciones y acontecimientos que recorren los ricos años de la génesis de la ideología que cambiaría el devenir de la humanidad y las relaciones entre los individuos.
Mazora toma como punto de arranque el Esbozo de una crítica de la economía política, que apareciera publicado en el único número de los Anales franco-alemanes, en París, en febrero de 1844, obra considerada fundacional del socialismo científico.
El ensayo intenta demostrar como El esbozo..., junto a La situación de la clase obrera en Inglaterra, tratados teórico y empírico respectivamente, colocan la piedra basal al desarrollo de la teoría marxista y dan los elementos claves para la futura y vasta producción de quien pasara a la historia como fundador indiscutible de esa doctrina.

Dos de Gambaro



Dos de Gambaro
de Griselda Gambaro
Patio de Actores
Lerma 568, CABA
Viernes 20 hs.
Dureción: 60'
por Rubén Sacchi

En 1966, la polémica Yoko Ono escribía, para su performance Statement / Biography: “La gente siguió cortando las partes de mí que no les gustaban hasta que terminó por no quedar de mí más que la piedra que estaba en mí, pero esto no les pareció bastante y quisieron saber cómo era la piedra por dentro”. Ese poema vino automáticamente a mi cabeza durante la primera mitad de Dos de Gambaro, la que corresponde a Un viaje a Bahía Blanca. Allí, a modo de muñeca rusa, una actriz relata El viaje a Jonostrov del polifacético autor francés Boris Vian, pero su intento se frustra una y otra vez por la intromisión de una mosca.

La sorprendente creatividad de Gambado logra equilibrar con el insecto el otro platillo de la balanza emocional, que contiene toda la discriminación y la incomprensión humanas, representadas mediante el crimen y la tortura. Bondades del arte, donde desaparece la noción de peso específico y una medida de comedia mezclada con varias partes de drama, puede proporcionar una receta apetecible al paladar del espectador. La actriz, Silvana Seewald, despliega toda su versatilidad y profesionalismo alternando de manera contingente las historias y evidencia el profundo trabajo interior que la caracteriza.


“Le gustó el nombre, pero me lo cambió. ¿Y por qué no? ¿Qué importancia tiene un nombre? Cualquiera sirve” es el planteo de la segunda narración, a cargo de Lucía Castro que se ubica en un nivel actoral equiparable al anterior. Cuenta en primera persona la historia de María, una trabajadora doméstica “cama adentro” y la relación con sus patrones. En una ilación, en apariencia sencilla, despliega todo un tratado que instala el tema de la identidad y la propiedad privada, llevándonos al concepto bíblico del nombre como medio de apropiación con toda la connotación que esto supone si se lo aplica a una persona. Un fresco dramático, donde la relación laboral deja entrever cómo la lucha de clases subyace en toda acción de sojuzgamiento y su consiguiente rebeldía.

Interpretada con maestría, permite que la actriz exponga en el monólogo todas las pasiones que la atravesaron a lo largo de su experiencia como trabajadora, convirtiendo cada una de ellas en microficciones, para culminar en una toma de conciencia que delimita el papel de cada uno en la relación de poderes.

Para ambos trabajos hay un escenario compartido, sencillo y suficiente, que pone en funcionamiento la imaginación del público. Con la luz sucede otro tanto: buen manejo que activa y estimula la observación. El sonido acompaña la escena sin baches, completando una pieza altamente recomendable.


Elenco:

Silvana Seewald
Lucia Castro

Equipo:

Dirección: Sebastián Berenguer y Cristian Thorsen
Vestuario: Vera Rinaldi
Escenografía: Henry Cufre
Asistente Coreográfica: Elena Fuster
Diseño gráfico: Diego Berenguer
Maquillaje: Celeste Giraudo
Diseño sonoro: Sebastián Berenguer
Prensa: Ana Quiroga


Sobre la autora:

Griselda Gambaro (1928)
Novelista y dramaturga, ha escrito obras teatrales, novelas, cuentos para niños y ensayos. Algunas de sus obras teatrales más representativas son: Los siameses, El campo, La malasangre, Antígona furiosa, La señora Macbeth, La persistencia, Del sol naciente. Entre sus últimas obras literarias: Lo mejor que se tiene, El mar que nos trajo y Promesas y desvaríos. Traducida a diversos idiomas, ha publicado en Estados Unidos, Polonia, Alemania, Inglaterra, Francia y Brasil.
Fue la primera autora mujer en inaugurar la Feria del Libro de Buenos Aires y la internacional de Frankfurt con Argentina como invitada de honor. Ha sido distinguida con el Premio Nacional y Municipal de Teatro, el Premio Universitario de Cultura (UNC), el Premio Atahualpa del Cioppo (España), el Premio Konex Teatro 1984 y 1994. Además, es Doctora Honoris Causa de la UNA y Ciudadana Ilustre de Buenos Aires.

Sobre los directores:

Sebastián Berenguer (Bahía Blanca, 1981)
Es director teatral, actor, músico y profesor de Artes en Teatro (Escuela de Teatro, Bahía Blanca). Se formó en dirección teatral con el maestro Augusto Fernandes, y en actuación con Eduardo Tato Pavlovsky, Beatriz Spelzini, Carolina González Antón, Cristian Drut, entre otros. Ha realizado cursos y seminarios de filosofía e historia teatral con Jorge Dubatti, y estudió Commedia dell Arte con Javier Tenías (Madrid, España).
Es fundador y coordinador del Espacio Cultural Independiente EPA (Bahía Blanca).
Ha dirigido numerosas obras teatrales: Tosco, la obra teatral, El títere, El Sr. Galíndez, El abrazo, Historia del zoo, El acompañamiento, Claustro, Feliz navidad, entre otras. En 2010 participó del homenaje a Tato Pavlovsky con la obra Las personalidades de Samuel Yunque, y en 2016, en el CCC, con Hombres, imágenes y muñecos, que se encuentra en cartel actualmente en la misma sala.
Ha obtenido el premio al mejor espectáculo teatral con las obras El abrazo (Guaminí, 2013) y La historia del zoo (Bahía Blanca, 2015).

Cristian Thorsen (Bolivar, 1981)
Es actor y director de teatro. Se formó con Raúl Serrano, Norberto Gonzalo y Beatriz Spelzini. Participó en ciclos televisivos, en cine y, en teatro, en obras como Tosco, la obra teatral, Hombres, imágenes y muñecos, Calígula, Decir si, El títere, Las paredes, entre otras.
Es socio fundador de la fundación Valta Thorsen, y dueño de las salas de ensayo Thorsen.
Ha recibido el premio a la Mejor Actuación en el Festival Adaptado, en Mar del Plata, por su protagónico en el monólogo Las manos de Eurídice, de Pedro Bloch. Con esta obra, además, fue seleccionado en 2016 para inaugurar la sala "Rafael Obligado" de la ciudad de Villa Gesell.
Fue galardonado por la Red Cultural Mercosur por su aporte a la cultura nacional e internacional, entregado por el Embajador de Uruguay en Argentina, Héctor Lescano.
Actualmente, se encuentra filmando la serie Matungo en la Ciudad de Buenos Aires.

Relatos verdes

Relatos verdes
Diego Vásquez
Ilustró: Nave
Sátira Ediciones, 2016
Cuento, 202 pp.

por Rubén Sacchi

No es un libro de los comúnmente llamados “cuentos picantes”, su título no se refiere a historias subidas de todo. Su denominación alude al color de la planta de cannabis y los textos se enmarcan en esa cultura milenaria, a la que un buen sector social intenta hoy reivindicar en sus diferentes usos.
Los relatos flotan en esa atmósfera voluptuosa que provoca el humo de la marihuana y, como tan, tiene idéntica consistencia: etérea. Pueden hablar de situaciones sensuales, violentas o introspectivas, pero estarán marcadas por esa otra lógica que el cerebro aborda bajo los efectos del THC.
Vásquez desarrolla una narrativa descriptiva, propia de un estado de ensimismamiento, con figuras interesantes, como en el coito: “murmullas alientos sobrantes, los sueltas, se van en forma de quejidos”. Le da a la marihuana un carácter litúrgico, emparentado a lo religioso, donde fumar “es justo y necesario”, asumiendo la insignificancia del hombre: “la vida no es más grande que la cordillera, y el mundo es más pequeño que los ojos de un gato”.
La luz es un factor omnipresente a través de la narrativa, quizás en asociación con la iluminación que conlleva una apertura mental bajo la llave de la droga. Relatos verdes propone una mirada diferente de la vida, en la que no cambia el paradigma capitalista y patriarcal contra la existencia, sino que modifica la forma personal de afrontarlo.

Vamo y vamo



Vamo y vamo
de Juan Freund
Teatro El Desguace
México 3694, CABA
Sábados 20 hs.

por María Antonacci García

Un hombre de mediana edad, ex ferroviario, ante una realidad económica que quiere marginarlo, encuentra una oportunidad en el Programa de Prisiones Privadas. Ofrece su casa, donde le instalan una jaula en la que ubican un preso, al que deberá cuidar y hacerle cumplir un riguroso reglamento. El preso al que debe vigilar debe purgar cinco años. Ramiro, el carcelero, quedó sin trabajo en aquellos tiempos en que un presidente decía: “ramal que para, ramal que cierra” y no pudo reubicarse en la economía formal, por lo que este nuevo programa le ofrece una salida para zafar de la miseria. El delito por el que detienen a Juan Pablo es absurdo, sin embargo, recrea lo cotidiano cuando el detenido es pobre y la policía y el sistema judicial se ensañan. A partir de la anécdota, se suceden conflictos humanos,  que muestran a los protagonistas como seres desamparados que tratan de sobrevivir como pueden. Se acumulan los recuerdos y la nostalgia mientras los espectadores pueden reconocer una realidad nacional de años atrás pero que hoy adquieren relevancia por repetirse para mal de todos. Finalmente, los hombres descubren que la solidaridad es lo único que podrá hacerlos superar tantos males. La pieza tiene mucho humor, por lo que se hace más llevadera la denuncia de terribles realidades socioeconómicas.

Los actores llevan adelante sus personajes con solvencia, compartiendo el dramatismo y la picardía, logrando la emoción de la platea en la salida fraternal que los une.

Su autor, Juan Freund, nació en Alemania y es sobreviviente de los campos nazis de exterminio. Luego de huir junto a su madre recaló muy joven en Argentina y se dedicó al teatro en el campo de la actuación, la dirección y la dramaturgia. Llevó a escena más de 30 obras, muchas de ellas propias. La anécdota de vamo y vamo es actual, muy recomendable.


Actúan: Rubén González, Pablo Trevisán


Autor: Juan Freund
Escenografía y vestuario: Vamo Y Vamo
Diseño de luces: Nadia Farías
Diseño De Sonido: Lautaro González
Diseño gráfico y fotografía: Inés Viqueira 

Director asistente: Macarena González
Dirección general: Sergio Simcovich

Almas roñosas

Almas roñosas
De Guillermo Farisco
Espacio Gadí
Av. San Juan 3852, CABA
Sábados, 20:00 hs
Duración: 70’

por María Antonacci García

En los años 90, con la aplicación de políticas neoliberales y sus nefastos resultados económicos para la mayoría del pueblo, un pequeño porcentaje de los argentinos que aún conservaba su trabajo viajaba de vacaciones al exterior, especialmente a Miami, en lo que más parecía un tour de compras. Allí se había hecho famosa la frase “deme dos”, utilizada por los viajeros que, aprovechando la ganga del dólar barato, el también famoso “uno a uno”, se aprovisionaban de electrodomésticos a precios irrisorios, mientras nuestra industria se iba a pique de forma vertiginosa. Mientras la corrupción
era moneda corriente, los funcionarios y sus amigos se convertían en “ganadores” ante la mirada sonriente y cómplice de esa clase media que traía televisores color del país del norte. En esos años continuó y se agrandó a límites insospechados, la cantidad de desocupados endémicos que había comenzado con la dictadura. Los gobernantes festejaban con pizza y champagne, a la vez que con sus medidas económicas dejaban fuera del sistema a millones de trabajadores. El estado ya no era solidario con los necesitados, sino que fomentaba la ruptura del tejido social y apostaba al individualismo feroz.
Esos años fueron la fuente de inspiración para Guillermo Farisco quien, con mucho humor, encaró la realidad de la época. Retrató a una pareja dispuesta a dejar de lado valores morales y afectos con tal de conservar un modesto hotelito en un pueblo de provincia, que apenas les da lo necesario para comer. Ante la aparición de un pasajero, al que deben tratar muy bien porque parece que es el único en mucho tiempo, las reacciones de los dueños se suceden, nerviosas y desopilantes, sobre todo las de la mujer, Amenita, quien recuerda un viejo hecho que la perturba y recurre a los más extraños ritos para exorcizarlo. Su marido, un pobre hombre carente de carácter y energía, intenta tranquilizarla, sin éxito. Los tres personajes, más uno que no aparece pero que está presente rigiendo todos sus actos, establecen un juego de enredos que divierte sostenidamente a la platea, a la espera ansiosa del desenlace.
Es de destacar el notable trabajo y la solvencia con que se resuelven las escenas. Lucrecia Rodríguez, en el rol de Amenita, transita por diversos estados de ánimo manteniéndose dinámica durante toda la obra. El esposo, Alejandro Gennuso, de hombros caídos y arrastrando los pies, demuestra cabalmente su rol de hombre sumiso y resignado. Juan Pablo Mathet es el altanero personaje de ciudad, sobrador, y mundano. La escenografía y las luces son sencillas y adecuadas al lucimiento de los actores.
Es un acierto de su director, Javier Ulises Maestro, elegir una vez más esta obra, que él mismo estrenó en 2004, tan actual como cuando fue concebida.

Elenco:
 
Alejandro Gennuso
Juan Pablo Mathet
Lucrecia Rodriguez

Equipo:

Dramaturgia: Guillermo Farisco
Maquillaje: Eliana Soto
Fotografía: Alejandro Vinué
Diseño gráfico: Papyros Digitales, Matias
Palacio
Dirección: Javier Ulises Maestro
Web: http://www.almasroñosas.com

La noria

La noria
Jorge A. Colombo
Grupo Editor Latinoamericano, 2016
Poesía y cuento, 200 pp.

por Rubén Sacchi

Es lógico que quien se lamenta "¿por qué no acabó todo/ cuando aquel anfibio/ subió a la tierra/ por primera vez?" profiera la amenaza "juzgaremos a todos/ los que vendan su alma/ a un Dios". Es lógico porque tales dichos son versos de un hombre de ciencia, terreno este que, bien se sabe, disputa a lo divino un mismo espacio donde sólo hay sitio para una de ambas disciplinas.
También es lógico que, quien más elementos maneje de la sapiencia sobre el cerebro humano, se enfrente al desánimo y la incertidumbre ante tamaño desatino que es su accionar sobre el ámbito que le dio cobijo y alimento.
Lo que no es tan frecuente es que un neurocientífico vuelque toda su sensibilidad en la literatura y la transforme en un vehículo que transporte aquellas emociones que escapan a las ciencias exactas. Es que Jorge Colombo se expresa en el papel como un acabado humanista que (y se) interroga de manera permanente acerca de la especie a la que pertenece, volcando en esa masa de contradicciones todo el amor y el odio que los seres le inspiran.
En sus textos arremete contra la crueldad humana, la injusticia, la impiedad. Inventa una metáfora de todo el sufrimiento humano a lo largo de “la breve historia de la cruel y despiadada civilización humana” y la ubica en la atmósfera, apuntando a nuestras cabezas provocando una lluvia de sangre. La denomina “energía doliente” e intenta, en esa figura, dar cuenta de los innumerables crímenes que el hombre comete contra sus semejantes.
El volumen reúne buena parte de la lírica y la prosa breve del autor. Un interesante trabajo que busca proveer de “un remanso de fuerza, de vigor, de belleza o dulce alimento a nuestras marchas tenues y transitorias, aunque nos parezcan heroicas y definitivas desde la ridículamente pequeña burbuja de nuestro tiempo individual”.

Una nueva aventura de Irene Adler

Una nueva aventura de Irene Adler
Osvaldo Lamborghini y Dodi Scheuer
La Bestia Equilátera, 2017
Novela, 152 pp.

por Rubén Sacchi


Luis Chitaroni, a cargo del prólogo, escribe que Osvaldo Lamborghini es "el mejor narrador lirico", lo que resulta una acertada aproximación a su escritura.
El texto, concebido como un guión cinematográfico en 1974, cayó en la vorágine del olvido y fue rescatado por Dodi Scheuer, quien fuera su coautor, a instancias del editor, realizando un maravilloso trabajo de compaginación y cuidado en tiempo récord.
La filosofía impregna el texto que aparentemente estructura una historia de espionaje e intrigas palaciegas, que incluye todos los elementos del género y ubica en el protagónico a Irene Adler, personaje de Escándalo en Bohemia, primera historia de la saga de Sherlock Holmes, obra de Arthur Conan Doyle. Entre otros párrafos de notable actualidad leemos: "El futuro es siempre inverosímil.
Ese es su secreto"
, para agregar: "Ellos no procuraban como nosotros construir el olvido del carácter catastrófico de la vida", llevando el mero policial a planteos mucho más metafísicos.
También arremete contra la prensa amarilla: "Cuando no saben qué imprimir, siempre producen un nuevo testigo o alguna hipótesis más o menos ingeniosa o intencionada".
El final es una gran metáfora, como toda la obra de este gran escritor, ¿la vida es un circo? ¿somos todos figurantes en un inmenso teatro? Seguramente que, para elaborar estas líneas, el autor tuvo en mente aquella desesperanzadora figura discepoliana: la Biblia junto al calefón.